Galleire Riunite presenta la doppia personale di Fiona Annis e Luca Grechi “Il mare tra noi”, un dialogo tra due artisti dalle forti affinità poetiche.
Il lavoro di Fiona Annis si intitola “Corrispondenze”, un ciclo di opere nate da manipolazioni di pellicole fotografiche in camera oscura. Ogni opera si intitola “Lettere” seguita da un numero.
Luca Grechi, invece, presenterà dei lavori pittorici, frutto di un lungo processo di sovrapposizioni di colori in bilico tra astrattismo e figurativo.

Quanto proposto in galleria nasce dal dialogo intercorso tra Luca e Fiona in questi mesi, per la preparazione della mostra, che di seguito riportiamo:

Corrispondenza (Montréal <-> Roma)
F: Caro Luca,
Sono felice di dialogare con un pittore. Ti consideri un pittore?
Penso alle mie immagini come a dipinti piuttosto che a fotografie; più simili agli strati di un palinsesto che a un istante congelato. Sono curiosa di continuare la conversazione e di scoprire cosa ti sta a cuore nella tua pratica e quali sono i tuoi punti di riferimento.
Un caro saluto,
Fiona

L: Cara Fiona, un piacere tutto mio conoscere e approfondire il tuo lavoro.
Mi considero un pittore nel senso ampio del termine: indago le immagini con un pensiero pittorico. Anche lo spazio, lo vivo nel raccoglimento di un silenzio pittorico. Il tuo lavoro si avvicina a un processo che si modifica nel tempo di uno sguardo, fino a trovare un equilibrio.
Vive di uno scatto immediato?

L: Cara Fiona, eccomi di nuovo.
Stavo rivedendo il portfolio con alcuni dei lavori che esporrai per l’occasione: sono bellissimi, soprattutto le composizioni dei bianchi e neri, le sfumature che si vanno a creare e a decidere gli spazi. Sono molto forti. Il fatto che una volta stampati non puoi rimetterci le mani, se mai dovessero esserci dei ripensamenti pittorici, come ti fa sentire? Devi avere la decisione molto chiara. Questo avviene nel processo o sono delle immagini che hai molto chiare fin da subito?
Lettere nel titolo sta per una corrispondenza? O è un alfabeto?
Nel caso, sarebbe bello fossero lettere. Anche io in passato ho intitolato delle opere come se fossero delle lettere indirizzate ai fiumi, al paesaggio, ai laghi, al mare, ecc.…

L: Dal momento che ho visto i lavori che esporrai, ti aggiorno sul mio work in progress.
Sto capendo se alleggerire tutto oppure lasciare questo contrasto, secondo me starebbero molto bene con i tuoi lavori bianchi e neri.

F: Caro Luca,
È una gioia ricevere la tua risposta. Trovo che questa corrispondenza sia uno sguardo dritto sul tuo mondo, reso attraverso le domande che poni, le riflessioni che offri e le immagini dei lavori in corso che condividi. Sono curiosa di saperne di più su ciò che descrivi nel tuo messaggio precedente. Quando hai risposto alla domanda se ti identifichi come pittore, hai fornito una visione non solo dell’atto in sé, ma anche di quella che interpreto come un’esperienza più ampia. Ad esempio, quando dici: “Anche lo spazio lo vivo nel raccoglimento di un silenzio pittorico.” Puoi approfondire questo aspetto?
Per tornare alla tua domanda se il titolo “Lettere” si riferisca alla corrispondenza o all’alfabeto, confermo che si tratta della corrispondenza. Questa serie è stata realizzata in un contesto in cui sono stata invitata a rispondere all’eredità del pittore astratto hard-edge Guido Molinari (1933-2004). Come te, il mio lavoro non trova naturalmente una correlazione ovvia con questo stile di pittura. Per raccogliere questa sfida, ho deciso di incorporare lo strumento distintivo dell’hard-edge, il “mascheramento”, per creare queste composizioni. Ad esempio, un pittore che usa questa tecnica userebbe solitamente del nastro adesivo per delineare la composizione e separare chiaramente i campi di colore. Nel mio caso, ho utilizzato etichette adesive postali e, poiché il mio processo fotografico è di natura liquida, ha completamente permeato la maschera creando composizioni dai contorni estremamente morbidi. In breve, i materiali e lo spirito di un dialogo attraverso il tempo e lo spazio hanno ispirato il titolo. Mi spiace se divento piuttosto tecnica. Mi piacerebbe approfondire le tue poesie “Lettere ai fiumi”, “Lettere ai laghi”, “Lettere ai mari”. Puoi dirmi qualcosa di più al riguardo? Come si inizia? Può essere un lago qualsiasi o un lago specifico? Come ci si rivolge al mare? Trovo che la palette che stai sviluppando in queste nuove opere sia incredibilmente forte. Si tratta di un territorio familiare o nuovo per te?

L: Cara Fiona, ho riletto più volte la tua e-mail e mi sono preso un po’ di tempo per rispondere.
Non ti devi dispiacere, piuttosto ti ringrazio di alcuni dettagli che hai condiviso sui lavori del portfolio in allegato (esattamente quelli di cui parlavo). Mi piace molto come hai risolto l’incontro tra l’impossibilità della linea, ma parlando di essa ci sono spazi precisi che si aprono e mantengono una volontà di immaginare, una casualità. Riguardo le opere di cui ti parlavo, “lettere ai laghi, fiumi” ecc., qualche anno fa ho iniziato ad immaginare alcuni dipinti indirizzati a qualcosa, come un fiume. Quest’anno in particolare ho lavorato molto su degli acquerelli dedicando degli scritti al mare, al lago, ecc. partendo con “Caro mare”, “Caro fiume” …
Molto bello questo rapporto che non conoscevamo, ci avvicina ancora di più.
Tornado alla mostra per Napoli, questi lavori sono alla ricerca di qualcosa di nuovo, di più concreto. Anche pensando al tuo lavoro e riflettendo su alcuni stimoli della Galleria, incuriositi da alcuni miei lavori su questa linea, ho deciso di sperimentare questo nuovo contrasto dove il sentiero tra astrazione e naturalismo sia più individuabile ma, come ti dicevo, ancora si tratta di un work in progress. Presto ti manderò anche alcuni studi su piccolo formato che vorrei presentare per l’occasione. Sicuramente una volta che avremo più immagini sotto gli occhi, sarà più semplice pensare a un titolo per la mostra. Riconosco una certa sensibilità tra noi, mi tornano in mente alcuni tuoi lavori grandi sui rossi.
Tornando alla tua domanda sullo spazio, mi piace pensare che in un luogo le cose trovino il loro posto, seppur temporaneo. Ma in una totalità dove l’insieme apre una nuova possibilità di rapporto con le opere nello spazio, mi succede che le vedo per una nuova prima volta. Il passaggio non è sempre descrittivo o narrativo ma delle volte più mentale. Quanto ti ispira il processo del tuo lavoro?

F: Caro Luca,
L’opera vive, respira e mi muove, animando i miei pensieri e il mio ritmo.
Sono d’accordo, un titolo emergerà insieme alle immagini. Non vedo l’ora di scoprirlo quando sarà il momento giusto.
Il mare tra noi.

L: Cara Fiona, buongiorno
Vivendo questo movimento interno sul mio lavoro capisco benissimo lo stato d’animo, dove diversi suoni ne fanno parte, silenzio e rumore, felicità e disperazione, intuizione e decantazione.
“Il mare tra noi”, un bellissimo stimolo per la ricerca di un titolo.
Sto lavorando su degli interni, sulla luce, sul paesaggio e sulla macchia che diventa fiore oppure no. A breve ti manderò qualcosa.
“Aspettando il titolo il mare tra noi”

Gallerie Riunite ospita la mostra personale “LAVA” di Bosoletti, che inaugurerà giovedì 8 Maggio 2025. In occasione di questa nuova mostra a Napoli, l’artista argentino presenterà 33 nuove opere dipinte con tecnica mista su tela.

Di seguito riportiamo il suo testo:

“C’è qualcosa di romantico nella scoperta delle opere di arte antica. Si entra in una chiesa abbandonata o bruciata o crollata, in un palazzo in rovina, in uno scavo archeologico. E si tira fuori qualcosa di sepolto. Dal tempo. Non dall’uomo. Un piccolo dipinto, un piccolo scheletro, che non si capisce subito cosa sia. Ecco Pompei sotto la lava. Memorie non scritte, potenza del fiato del Vesuvio, impressa in negativo nella materia. Segni sottratti al controllo degli uomini. Storia naturale che sovrasta i mortali. In queste decadenti rovine i corpi umani sono carne, che Bosoletti dipinge con una sorta di ricorsiva ossessione, un’insistenza barocca sulle luci e le ombre sublimata fino a perdere il contatto con il soggetto stesso del dipinto. Prevale la necessità di lavorare le immagini non per rappresentare la realtà ma questo modo di essere della realtà, desolato, frammentato, irrimediabilmente rovinato. Il negativo diventa un calco che restituisce un’assenza. Per occhi abituati a mirare i campi vuoti e sconfinati della pampa argentina, la sovrabbondanza del patrimonio italiano e la sua decadenza sono il punto di partenza di una pittura che testimonia, nell’estetica e nella tecnica, il passare del tempo. Un omaggio che non indulge alla bellezza, anzi la devasta volutamente con un gesto che è anche una protesta contro le differenze sociali aberranti su cui, oggi come nel passato, certa grandezza, certi palazzi, sontuosi prima di essere sfatti, sono stati costruiti. Lava è una parola napoletana, indica lo scorrere di grosse masse. Di acqua, di fuoco, di terra. Anche il tempo scorre. Reimmaginare il passato e portarlo alla luce di nuovo, in certo modo distruggendolo, è come scendere nell’antro e riportare una forma scomparsa sulla superficie di un quadro.”

Gallerie Riunite ospita la mostra personale “Figure senza nome (Maschere)” di Andrea Fogli dal 7 Dicembre 2024 al 15 Febbraio 2025.

Contestualmente si svolge la mostra antologica “7 Atlanti” a cura di Stefano Chiodi, organizzata dalla Azienda Palaexpo, presso il Mattatoio di Roma, (4 dicembre 2024 – 2 febbraio 2025), catalogo Quodlibet, a cura di Stefano Chiodi, con testi di Giorgio Agamben, Jan Hoet, Denis Isaia, Marta Ragozzino, Carla Subrizi, Tommaso Trini e Peter Weiermair.

In galleria a Napoli saranno esposte otto sculture inedite in terracotta del 2022, 14 disegni in polvere di grafite del 2020 e due cartoline del 2021.
Per descrivere il lavoro in esposizione di Andrea Fogli, riportiamo di seguito alcuni estratti del testo di Lorenzo Fiorucci pubblicato nel catalogo “Figure senza nome (2020 –2022)” e una riflessione dell’artista:
“Se è vero che la mente vede solo ciò che sa, o che riconosce, nelle opere di Andrea Fogli l’esercizio artistico si trasforma in un vero e proprio laboratorio della psiche. […] Fogli sembra interrogarsi sul confine tra l’apparizione e la realtà, tra il vero e l’illusorio, tra la mente e la materia, lasciando a quest’ultima il carico, ma anche la libertà, di offrire le proprie illogiche suggestioni che vanno ad accompagnare le solide certezze dell’artista. […] Già da molti anni, infatti, la ricerca di Andrea Fogli, si muove funambolicamente verso un punto di equilibrio che oscilla tra la preponderanza materica e la rivelazione figurale. Non certamente una figuratività che sottende una mimesi, intesa come ripetizione di limiti formali, ma proprio l’inverso, e cioè l’abbattimento dei limiti attraverso l’estrema valorizzazione della forza della materia nel suo divenire. […] Fogli, attraverso queste rivelazioni plastiche, sembra mettere in scena una sorta di rinascenza, una genesi primordiale, che dalla terra conduce alla forma dell’uomo. Sono figure senza passato senza storia, ma libere di “fiorire” come meglio potranno. A queste sculture plastiche egli alterna alcuni disegni dove sedimenta il segno, anche qui rivelatore, di un altrove, un dettaglio, un volto, uno sguardo che dalla pagina gradualmente si svela.
Segno e materia, disegno e scultura condotti con stesso intuito e medesima freschezza, ma sempre senza individuare o ritrarre un soggetto, aspettando che questo compaia dai rivoli di un segno o dalle pieghe dell’argilla.”
Figure senza nome

“…. ‘piccola sfinge assorta’, ‘piccola sfinge con la lingua di fuori’,
‘figura che porta una maschera’… ma in realtà, per lo più, figure senza nome.
Sono delle piccole figure che ho tenuto in mano e modellato nei giorni scorsi usando i frammenti secchi di creta che erano rimasti sparsi sul pavimento dopo aver svuotato le sculture più grandi. Terra secca, polvere d’argilla, che sarebbe finita nella discarica, ma che era viva, visto che con un poco d’acqua ritornata morbida e umida, e in qualche modo anche animata.
A volte è bastato davvero poco, la pressione e il movimento cieco delle mani che inglobavano i piccoli frammenti d’argilla secca e l’acqua, involontari segni e impronte, rilievi, ombre, e
ogni volta una diversa figura si affacciava, dal paese dei senza nome.”
Andrea Fogli

Gallerie Riunite ha il piacere di annunciare che il 16 Maggio 2024 verrà inaugurata la mostra “CROMA” del giovane artista messicano Eliel David Martínez Julián.

La mostra è accompagnata da un testo di Lucrezia Odorici e gode del patrocinio dell’Ambasciata del Messico e del Consolato del Messico a Napoli.

Sarà visitabile fino al 12 Luglio 2024.

“Il semplice guardare una cosa non ci permette di progredire. Ogni guardare si muta in un considerare, ogni considerare in un riflettere, ogni riflettere in un congiungere.

Le Gallerie Riunite presentano CROMA, un’esposizione personale di Eliel David Pérez Martínez con parte della più recente produzione pittorica realizzata nel suo studio di Città del Messico. La mostra ci propone l’incontro fra due realtà, il Messico terra d’origine e Venezia dove si è formato, attraverso le tonalità vive nei dipinti dell’artista.

Il lavoro di Martínez si presenta con pattern in festa, dove a volte sembra riconoscere la fantasia di un tessuto o una texture particolare. Ad un primo sguardo, le campiture dai colori vivi sembrano formare dei mondi astratti sulla superficie, una stratificazione di segni che interagiscono tra loro. Gli elementi dipinti sono vari, multiformi, ognuno con una propria identità. Alcuni sembrano incerti, altri più decisi e dai contorni netti. Tondi e morbidi o serpeggianti come un fulmine. Attraverso un gioco di bilanciamenti tra chiari e scuri, Martínez crea nuovi spazi e profondità. Delle composizioni sembrano ricordare una foresta pluviale, altre un fiume.

L’intera natura si rivela attraverso il colore.

Goethe ci insegna che è anche l’oscurità l’elemento fondamentale per conoscere il mondo visibile. Allora proviamo a chiudere gli occhi e pensare ad un vaso di fiori. Che ci siano rose, tulipani, il vaso alto o basso, lo stiamo vedendo, è davanti a noi nonostante l’assenza di luce e l’oggetto stesso. Anche nei dipinti di Martínez convergono degli opposti, un’antitesi, due luoghi temporalmente e geograficamente distanti: gli anni dell’adolescenza nella sua terra natia e gli anni di formazione passati nella laguna di Venezia.

Il Messico caotico, retto da più sistemi e privo di una purezza, si incontra con Venezia, città salmastra, d’inverno avvolta nella nebbia fitta che i primi raggi del sole la illuminano esaltandone la precisione idilliaca. Queste terre opposte per colori e peculiarità, non si mescolano nei dipinti dell’artista, mantengono ognuna la propria forte identità andando a dialogare in modo armonico con l’altra con un nuovo linguaggio pittorico, attraverso le tonalità che più le rappresentano producendo una nuova immagine. Come un’operazione di taglia e cuci, l’artista genera un connubio tra le sue realtà, quella Latino-americana e quella Europea, creando una nuova narrazione.”

(Testo di Lucrezia Odorici)